Meine Damen und Herren,
es wird sich allmählich herumgesprochen haben – und hunderte von Beispielen beweisen es täglich – dass unsere Zeit kein einheitliches künstlerisches Bild aufzuweisen hat, ja, dass gerade die Vielfalt der Möglichkeiten und die Uneinheitlichkeit in der Auffassung für den Beschauer wie für den Künstler (soweit er sich tolerant verhält) ungemein aufregend und anregend sind. – Das entspricht im übrigen auch dem differenzierten Bild, das Wissenschaft und Technik heute bieten. – Die Positionen sind nach allen Richtungen hin abgesteckt und reichen von der Amerikanischen zur Wiener Schule, von Wunderlich zu Albers, d. h. Es scheint alles erlaubt, was der Bewältigung künstlerischer Vergangenheit oder dem Vorstoß in neue Regionen dienlich ist. Allerdings bringt dieses Maß an Freiheit wie immer ein erkleckliches Maß an Verantwortung mit sich, der heute immer größere Bedeutung zukommt; denn gerade durch das gegenwärtige vielschichtige künstlerische Erscheinungsbild steht der Künstler zumeist allein für sich, ohne den Halt, den ein einheitlicher Stil bietet, auch nicht getragen von dem Verständnis seiner Mitmenschen – oft nicht mal seiner Berufsgenossen – und er muss sich selber entscheiden und seinen Weg bestimmen. Für den jungen Künstler ist es deshalb schwierig, soweit er nicht von Zeitströmungen unverschämt viel profitiert, den langen Atem zu haben für eine konsequente Eigenentwicklung. Eine Schwierigkeit, die den eigenständigen Künstler zu allen Zeiten ankam.
Aber: Kunst zeugt sich selber fort, Bilder erzeugen neue Bilder und die Auseinandersetzung mit Arbeiten anderer war schon immer fruchtbarer als ein Bestauenen von Naturansichten, es sei denn, man kennt die Formel, unter der Natur zum Bild, zum Eigenleben auf bildnerischer Ebene erweckt wird. Jeder Künstler hat seine Vorgänger, oft reichen sich durch Jahrhunderte getrennte Epochen wieder die Hand, versteht man sich plötzlich wieder, und auch unsere Zeit wiederholt nur zu oft das Feldgeschrei aus den zwanziger Jahren und setzt dort Begonnenes heute in klingende Münze um.
Kehren wir vom Allgemeinen zum Speziellen zurück. Armin Stähles Anreger und Lehrer stammen wohl auch zum großen Teil aus der Kunstgeschichte, aus einer Ahnenreihe, für die Namen Redon, Ensor, Ernst stellvertretend für alle anderen stehen. Die Ausbildung, die er an den Kunstschulen erhielt, eine Einführung in grundlegende gestalterische Möglichkeiten – was ist auch mehr zu lehren? – setzte nur in verstärktem Maß die Kräfte frei, die ihn von der angewandten Kunst weg und hin zur freien Kunst führten. Nach mannigfachen Versuchen sich freizuspielen, kam bei ihm immer wieder – wenn auch vorerst nur in der Zeichnung – ein Zug ins Phantastische und Groteske durch. Anfänglich noch mit Inhalt belastet, setzte sich – wie wir es bei den hier gezeigten Arbeiten sehen – das reine Maß der bildnerischen Mittel durch.
Bleiben wir aus diesem Grund auch vorerst bei den Zeichnungen, da sich hier deutlicher als an den Bildern ablesen lässt, wie sich bei ihm Formen bilden, wie sie – scheinbar spielerisch erschrieben werden. Ausgangspunkt ist immer eine menschliche – besser, eine organische Form. Sie bildet den soliden, gedachten Untergrund, das Thema, für das sich nun frei entfaltende Spiel mit der Linie, einer reinen Linie, an der auch Klee seine Freude gehabt hätte. Man kann nachempfinden, wie die einmal in Gang gesetzte Feder sich immer mehr der weißen Papierfläche bemächtigt, darüber hinweg wuchert, das phantastische Spiel immer aufs Neue beginnt. Kontrapunktisch werden schon gewonnene Formen wieder abgewandelt und unter der Hand erfindet sich die Linie organische wie landschaftliche Motive, die sich abwechseln und durchdringen.
Das scheint mir das Wesentliche an den Zeichnungen zu sein, dass sie entstehen ohne eine Vorplanung, ohne den Willen, etwas Bestimmtes ausdrücken zu müssen, ohne vorgefasste Konstruktion. Konstruktion stellt sich erst im Nachhinein ein. Statt dessen wachsen sie während der Arbeit und ähneln phantastisch grotesken Erzählungen, die alles enthalten, was Stähle an der sichtbaren Erscheinung um ihn her interessiert. Und auch der Beschauer muss mit den Augen auf diesen Blättern die Abenteuer der Linie nachgehen, kann sich wie Stähle selber in ein märchenhaftes Reich entführen lassen, in dem noch Teufel und Kobold regieren.
Bilder bieten naturgemäß eine kompaktere Erscheinungsform. Auf ihnen lässt sich nicht so ohne weiteres wie auf den Zeichnungen das spontane und unbewusste Formfinden nachvollziehen – das liegt an der relativen Schwerfälligkeit des Materials. Dafür bieten die Bilder die sinnlichere Erscheinungsform der Fläche und die Qualität der Farbe – körperhafte Dinge, die erst im Vergleich zur Schwerelosigkeit der Zeichnungen augenfällig werden.
Der Unterschied der Bilder zu den Zeichnungen ist der dunkle Grund, der das Geschehen wie auf einer Bühne nach hinten abschließt. Dadurch wird aber das Geschehen auf der Bühne selber realer, überdeutlich abtastbar, es drängt sich auf und lässt den Betrachter nicht mehr im Ungewissen, wie das bei der Zeichnung noch geschieht. Haben wir dort die Groteske mit ihrer oft ironisch-verspielten Form, so finden wir hier Monolithen, denkmalhafte Gebilde, Säulen, die an indischen oder indianischen Kult gemahnen.
Die Farbe wird in Flächen gefasst, in oft feiner Nuancierung – und diese Flächen umschreibenden Formen, die unvermittelt menschliche Details enthalten. Die freie Erfindung wird auf diese Art blitzschnell in Bezug zum Menschen gesetzt und eine surreale Verfremdung setzt ein.
Meine Damen und Herren, ich wollte mit meinen Ausführungen keine Analyse der inhaltlichen Seite bezwecken, es besteht dabei zu leicht die Gefahr, einen jungen Künstler von vornherein einzuengen und abzustempeln. Es sind die Dinge bis zu einem gewissen Punkt gediehen und werden weiter gedeihen. Armin Stähle ist auf dem Weg!
Das Wesentliche – und das gilt nicht nur für diese Ausstellung – scheint mir zu sein, dass der Betrachter mit seinen Augen das nachvollziehen muss, was der Künstler mit dem ihm adäquaten Mitteln schon vollzogen hat, und dass er nur so vom äußeren Bild zum inneren gelangen kann. Er muss die Worte meiden, die ihm zumeist von Kritikern in den Mund gelegt werden, da sie ihn unfähig machen, selber das Abenteuer einer Bildbetrachtung anzutreten. Denn nur auf diese Weise kann auch der Beschauer schöpferisch werden. Es stände besser um die heutige Kunst.
Ich danke Ihnen.